Los beneficios de los programas comunitarios de música Outreach (comps) sobre la Enseñanza de Instrumentos Musicales

© Peter Muir 2005
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En este artículo exploro que el concepto, basado en mi propia práctica docente, que la asistencia regular de Alcance Comunitario de Música Programas (comps) por estudiantes de música pueden ser de gran beneficio para el aprendizaje de sus instrumentos musicales. Voy a comenzar con una descripción general de una típica COMP
.

El Programa de Extensión Musical en Green Briar Comunidad de Retiro

El Instituto para la Música y de la Salud ha estado funcionando un COMP desde enero de 2000 en Green Briar Comunidad de Retiro en Millbrook, Nueva York. Los residentes son personas mayores en su mayoría bastante altos de funcionamiento, aunque la mayoría tienen problemas médicos, muchos mostrando los primeros síntomas de Alzheimer y' s o demencia senil. Una sesión ampliada típico dura unos setenta minutos. El IMH generalmente trae a cinco voluntarios a un alcance, ya menudo más de diez. El número de residentes que asistieron a la divulgación por lo general un promedio de alrededor de veinte.

El enfoque básico es el siguiente. Estamos en gran medida cantar estilo antiguo Tin Pan Canciones que son familiares para los residentes. Ayudantes alentar a los residentes a participar con el canto y el baile /movimiento con ellos siempre que sea apropiado. Esto no es un funcionamiento formal en cualquier sentido habitual. Por el contrario, el más informal y relajado el ambiente, los residentes más activos tienden a ser; y los más activos los residentes, la mayor duración de los beneficios de la música. El efecto de la música de decisiones se ve reforzada por los voluntarios que participan directa e interactiva como con los residentes como sea posible, de la mano, haciendo contacto visual, etc. Los alcances son en gran parte musicalmente no acompañados, aunque los instrumentos se utilizan en ciertas situaciones se analizan a continuación.

No es el propósito de este artículo para hablar de los beneficios de este tipo de sesiones sobre los residentes, que, si se hace correctamente, y con la intención correcta, son profundas. Estoy interesado en su lugar en el efecto sobre los voluntarios, específicamente en cómo estos alcances se pueden beneficiar la reproducción de esos instrumentos de aprendizaje (a pesar de que el centro de divulgación de canto redondo, no jugar).

En el momento de la escritura, que sólo se han llevando a nuestros estudiantes sobre una base limitada a Green Briar, y aunque los primeros resultados son muy alentadores y planeamos extender el programa, la presente discusión es básicamente un documento de posición más teórico /filosófico en el enfoque que sobre la base de los resultados experimentales. Voy a comenzar por discutir, y colocando en su contexto histórico, el estado actual de la corriente principal de la pedagogía fundamental, tal como existe en Estados Unidos, y, hasta donde yo sé, la mayor parte del mundo occidental, antes de pasar a explorar alcances cómo musicales puedo ayudar a contrarrestar un cierto desequilibrio inherente a la pedagogía musical tradicional.

Música Tradicional Instrumento Pedagogía

A pesar de que tiene raíces que son mucho más antiguos, la enseñanza de la música instrumental como lo conocemos hoy en día es realmente un producto de la Siglo diecinueve. La estética del romanticismo revolucionario trajo consigo cambios importantes en la difusión de la música de arte en Europa y América del Norte. El nuevo enfoque se reflejó más típicamente en el lugar del concierto público que entró en su propio en la época romántica. El símbolo de esta era el virtuoso fundamental gira, como Paganini en el violín y Liszt en el piano, que eran, junto con artistas de ópera de éxito, las superestrellas musicales del día. Romanticismo glorificado estos intérpretes instrumentales de una manera que nunca había estado antes. De este modo, los artistas se hicieron ricos y famosos, alcanzando a través de su gira incesante, promoción bien, y pirotecnia oído atractivo, un público mucho más amplio de lo que había sido siempre a disposición de las audiencias de los primeros tiempos.

Como virtuosismo instrumental adquirido un nuevo protagonismo, la pedagogía subió a la palestra. Impulsado por una nueva tecnología que reduce drásticamente el costo, y por lo tanto la accesibilidad, de las partituras, y una creciente, musicalmente alfabetizada de clase media sediento de mejoramiento cultural, la pedagogía se convirtió en el gran negocio por primera vez en el siglo XIX. Ejercicios s, a la maestría de Chopin y' y cientos de compositores crearon materiales pedagógicos para casi cada tipo de instrumento que oscilaba entre la mecánica de Czerny y ' s cajas de pinturas. Se hizo hincapié en la técnica: las cualidades superiores de una actuación y mdash; expresión, interpretación y así sucesivamente — podría realmente sólo se añadirá efectivamente después de la obra había sido dominado por medios mecánicos. Lo que se conoce como el y" Una vez más con sentimiento y" escuela.

Una vez en su lugar, esta filosofía dominado el panorama pedagógico. Es sorprendentemente está representado por la figura 1, una ilustración de un artículo de Aubertine Woodward Moore titulado, muy apropiadamente, y" De Fundación Mecánica de triunfo artístico, y" que apareció en la revista de educación música comercial estadounidense The Etude en 1918. El y" Fundación Mecánica y" del título está representado por la maquinaria industrial de alta resistencia en la parte inferior de la colina, mientras que y" Artístico Triunfo y" se representa en la parte superior por un castillo. Tenga en cuenta que las cualidades que juegan más altas (y" fraseo, y" “ la expresión, y" “ interpretación y") se producen cerca de la cima de la colina, mientras que los aspectos drudge de práctica (“ la industria, y" “ ejercicios diarios, &" ; “ escalas &";) se colocan en la parte inferior. Otro punto. A medida que siga el camino en zig-zag por la colina, verá que se vuelve cada vez menos poblada. Este es un sorprendentemente honesto, si tal vez inconsciente, la declaración de un defecto de diseño en todo el sistema: la mayoría de los estudiantes abandonan sus instrumentos. En una filosofía que considera el aprendizaje de un instrumento como — aquí, literalmente, — una lucha cuesta arriba, sólo unos pocos llegar a la cumbre. Y al llegar a la cima se ve como la única meta que vale la pena de la empresa — el término y" Artístico Triunfo y" claramente lo vende como un ganador se lleva todo el asunto y mdash; no llegar a la cumbre es visto (por el estudiante y profesor) como un fracaso. En este punto de vista con curiosidad darwiniana de la educación sólo los más aptos sobreviven. La caída de descanso en el camino

Sería na y iuml;. Ve que sugiera que nada ha cambiado en la pedagogía musical desde apareció este artículo. Métodos pedagógicos Mainstream son ahora un poco menos orientados técnicamente y terriblemente hegemónica de lo que una vez fue el caso. Lo que tiene, creo, estimuló esto cambió más que nada es la bodega de debilitamiento de la música clásica en las sociedades occidentales y el correspondiente aumento de la música americana vernácula (jazz, blues, rock, etc.) en el siglo XX, cuya popularidad espectacular a través su difusión en la cultura de masas ha desplazado a la música clásica como el principio lingua franca musical de Occidente, y, más recientemente, de la sociedad global. En consecuencia, cuando el niño promedio al inicio del siglo XXI decide tomar un instrumento que es más probable que quieran aprender Beatles que Beethoven.

Si bien la profesión musical ha acomodado, se ha hecho solamente por lo que sólo a regañadientes. Leer a través de ediciones antiguas de cualquier corriente principal de la revista pedagógica como The Etude, verá lo conservadora que es, cómo protectora de y" bueno y" (es decir, clásica) música contra la amenaza percibida de los estilos populares. La impresión general es que la democratización de repertorio y ampliación de estilos de juego en la enseñanza de la música es un bien y" de abajo arriba y" revolución, sólo se aceptó a regañadientes por la vieja guardia. Esto tiene varias implicaciones de clase que no quiero seguir aquí, excepto para decir, que este conservadurismo en la enseñanza de la música es uno refleja la sociedad en su conjunto: todos los estilos vernáculos tienen, casi por definición, se ubicó como el trabajo de música de clase, y por lo general han ganado aceptación general sólo después de una tremenda resistencia desde arriba.

La renuencia de pedagogía musical para aceptar nuevos estilos es un síntoma de un problema más profundo. Porque mientras el foco de la enseñanza de la música ha cambiado sanamente lejos de y" los pocos que pueden llegar a ser los músicos profesionales del mañana y" a “ los muchos que quieren participar en la música, y" la filosofía de la enseñanza de la música no ha cambiado fundamentalmente: simplemente se ha suavizado sus bordes duros para dar cabida a las masas. Un estudiante que aprende un instrumento aún espera su maestro para centrarse en los aspectos técnicos, al igual que lo habría hecho hace un siglo. El énfasis sigue estando en la práctica de las escalas, jugando en sintonía, con la digitación correcta. Por supuesto, hay excepciones individuales, pero esto es todavía la cultura general

Permítanme hacer una distinción entre la música y el mdash;. De capital de M — y la música y mdash; pequeña m. Mediante el uso de las mayúsculas, me refiero a las cualidades superiores que hacen música importante y vital: la creatividad, la expresión y la interpretación, las cualidades que son últimos en ser aplicado en la pedagogía tradicional. Por el pequeño m, me refiero a los inferiores, técnicas, cualidades. Un niño que toma un instrumento lo hace como un medio de expresión más alta, en otras palabras, la música. En cambio, la atención se centra en los aspectos técnicos, la música. No es de extrañar que tantos niños abandonan sus instrumentos

Podemos resumir todo esto diciendo que el punto de partida en la pedagogía de la música es y". Hacer las cosas bien y " ;: en sintonía, dedos derechos, notas correctas. Esto inevitablemente tiene el efecto de hacer que el estudiante continuamente se centran en, y preocuparse por este aspecto, i. e., la música y no la música. Se crea un clima de miedo, donde se anima al alumno a juzgar constantemente a sí mismo por sus errores, y asumir que los demás y mdash; inicialmente su maestro, después de una audiencia y mdash;. Están haciendo lo mismo

El resultado de esto es una interioridad poco saludable por parte del músico. Él se centra en sí mismo en su rendimiento, preocuparse por la forma en que está siendo juzgado: y" Cómo lo estoy haciendo y" y"? ¿Qué piensan de mí y " ;. Esta auto-conciencia es el comienzo de todo miedo escénico y es completamente contraproducente — todo el mundo realiza peor cuando nervioso. Por lo tanto nos quedamos con una paradoja: énfasis excesivo en la técnica de última instancia, socava la técnica. La enseñanza de instrumentos musicales se debe hacer en una forma de disminuir la autoconciencia; sino que exacerba, socavando con ello lo que está tratando de lograr.

Los Beneficios de la Música programas de alcance comunitario para estudiantes de música

Si el problema central de la enseñanza de instrumentos de música es la conciencia de sí mismo que engendra, su solución es la adopción de otra conciencia, para animar a los estudiantes a poner su atención en otro lugar de su auto. El latín para y" auto y" es el ego; “ otra y" es el alter. Reemplazamos el egoísmo con el altruismo.

Por lo tanto se recomienda al alumno para dirigir su música a alguien cuando juega. En su forma más simple, este proceso es puramente mental, i. e., imaginando la persona que se está reproduciendo a. Pero la experiencia es mucho más potente si la persona está en la habitación con el jugador. Esta es la divulgación musical, donde en lugares como las personas mayores y' hogares es tan valioso, ya que da una realidad física para el proceso de dirigir a cabo con la música.

Sin embargo, no es más complicado que esto. La situación de divulgación es particularmente útil para fomentar esta actitud por parte del músico visitar, mucho más que decir dando un solista en un concierto, que, por supuesto, es mucho más probable que agravar un estudiante y' s temores de rendimiento en lugar de aliviar ellos. Hay varias razones por las que una extensión es la situación óptima para fomentar el altruismo musical.

En primer lugar, las personas mayores en un hogar son mucho menos crítica que la audiencia del concierto tiende a ser. Así que muchas personas mayores en los establecimientos como Green Briar son solo y deprimido. Los visitantes y hacer música son, por tanto, casi siempre bienvenidos. Por otra parte, la experiencia demuestra que a medida que la condición física /mental de los residentes se deteriora se vuelven más necesitados de la música, y por lo tanto son cada vez menos crítica de lo que oyen.

En segundo lugar, el alcance es comunitaria en la naturaleza. Esto quita presión a cada estudiante y por lo tanto ayuda a aliviar la ansiedad de rendimiento, como el trabajo en grupo es más fácil que realizar en solitario. Tal vez aún más importante que esto, en un alcance a la audiencia participa, así como los artistas, cantando y bailando /movimiento. Esto crea un clima de informalidad reconfortante para el estudiante. Después de todo, si las personas mayores, que en la mayoría de los casos no han tenido formación musical, no son auto-conscientes de su implicación con la música, ¿por qué debe ser el estudiante? De hecho, un alcance no es realmente una situación de rendimiento en el sentido habitual, con una clara demarcación entre los artistas y el público. La mayoría de las veces los límites son borrosos. En Green Briar incluso hemos tenido situaciones en las que se invierte la audiencia /relación intérprete, cuando un residente con entusiasmo nos llevará en una canción que él sabe mejor que nosotros!

La tercera diferencia entre y alcance y un concierto es que se recomienda al estudiante a relacionarse con su y" audience &"; como individuos. En un concierto, el público es anónimo para el artista. No sabrá la mayoría de los oyentes. Incluso si lo hace, es muy difícil relacionarse con todos ellos a la vez. Hay demasiados, y en cualquier caso la distancia entre el público y el artista en un concierto estándar de configuración apenas ayuda. A menudo, en un teatro, a causa de la iluminación del escenario brillante, es imposible para el artista, incluso para ver a su público, y mucho menos para relacionarse con ellos. En una situación como la que se alcance en el Green Briar no hay tales dificultades, y donde las visitas son de forma regular, los residentes se vuelven muy conocido a los voluntarios, y viceversa. Esto, junto con los números más pequeños, y la informalidad del entorno, hacen que sea fácil para que los estudiantes se relacionan con los residentes. Para maximizar esto, se recomienda el contacto cercano y directo siempre que sea posible: se mueven tan cerca de la residencia durante la creación musical como él /ella va a permitir; llevar a sus manos; . mirarlos a los ojos (esto último es particularmente importante)

Por último, alcances están orientados en torno canto, no alrededor de la estudiante y' s instrumento. Esto es importante por dos razones. En primer lugar, hemos encontrado que los residentes tienden a dejar de cantar cuando se utilizan instrumentos. En lugar de ello, empiezan a ver la situación en su rendimiento, y se crea una distancia formal entre los artistas y el público, lo que va en contra de la creación de un clima de altruismo. En segundo lugar, el canto requiere menos esfuerzo por parte del estudiante que jugar. Al igual que los residentes, el estudiante puede y" simplemente cantar y" Cuando toca su instrumento, por otro lado, es menos espontánea como él está constantemente preocupada por si tiene la nota correcta, si está en sintonía, etc.

Estos cuatro factores — los residentes y' enfoque relativamente acrítica, el aspecto comunitario, en relación con el y" audience &"; como individuos, y basar el alcance alrededor de canto y mdash;. crear un ambiente único en el que se anima al alumno a utilizar su música de forma altruista

Traducción Alcance Filosofía en Instrumental Jugar

Asistir alcances musicales regulares, sin embargo , sino una primera etapa, el objetivo final es traducir la experiencia altruista de divulgación en el estudiante y' s de juego instrumental. Esto ocurre en un grado por ósmosis. A medida que el estudiante se vuelve más altruista inclinada con los alcances, los efectos beneficiosos serán generalizarse a toda su música de decisiones. En última instancia, el objetivo es ver todos los resultados, de hecho toda la música de decisiones, como una extensión.

Este proceso puede ser catalizada mediante la introducción gradual de juego decisivo en la difusión. Doy un ejemplo de mi experiencia reciente. Un chico de dieciséis años de edad, estudiante de trompeta es muy talentoso, pero tímido y acomplejado por su música de decisiones en su instrumento. Empezó a venir regularmente para alcances musicales, incluyendo Verde Briar, con su padre, quien es muy musical y alentador de su hijo adoptando un enfoque altruista con su música de decisiones. Al principio, el hijo era reacio a hacer otra cosa que cantar cualquier cosa. A medida que su identidad musical fortaleció a través de los alcances, sin embargo, se convirtió poco a poco con más confianza, aunque todavía no estaba dispuesto a jugar. Había incluso una etapa intermedia cuando él traería su trompeta a la divulgación, pero no jugar! Finalmente se empezó a jugar, para el deleite de los residentes. Recientemente, ha comenzado también a jugar solos en conciertos. Cuando juega, lo hace con notable confianza, sin ningún rastro de miedo escénico. Como resultado de ello su forma de tocar es muy creativo y expresivo. En otras palabras, el proceso de divulgación le ha animado a hacer música en lugar de música, y desde este punto de vista, que es excepcional

Cuando la actitud altruista desarrollada a través de divulgación musical se integra en el estudiante y'. De juego s , ¿cuáles son los efectos? Hay varios.
1. La reducción de la autocrítica en el alumno, naturalmente, hace que todo el proceso de la música de aprendizaje mucho más agradable y satisfactoria.
2. Alcances muestran al estudiante que su música de decisiones puede tener un efecto positivo en una audiencia. Esto le da a su forma de tocar un significado adicional entera que normalmente no resultan de la pedagogía regular.
3. Los estudiantes que asisten alcances de forma regular tienden a desarrollar excelentes habilidades auditivas debido al énfasis en el canto. Esto puede ser reforzado por llegar a ellos para jugar las canciones que cantan en el alcance de sus instrumentos sin necesidad de utilizar la música escrita.
4. La actitud altruista mejora técnica. Ese es el lado opuesto de la paradoja se señaló anteriormente que la técnica de priorización en la música de enseñanza en última instancia, socava la técnica mediante el fomento de una mentalidad autocrítica. Por el contrario, cuando el estudiante deja de pensar autocrítica, que es capaz de dar su mejor en todos los sentidos, incluido el técnico. Página 5. En el sentido más general, la adopción general de una actitud altruista es un objetivo más deseable en la educación y el desarrollo social de los jóvenes

Conclusión

El proceso estudiado en este trabajo y mdash;. Asistir alcances regulares musicales y la aplicación de la experiencia para el juego del estudiante y' instrumento &mdash s; está bien descrito en el siguiente testimonio de un estudiante de clarinete de quince años de edad en Ravensong Estudio que asistió a una serie de alcances de la música de Green Briar:

Cuando llegué [a la divulgación] por primera vez, me di cuenta de lo asustada que estaba. Entramos en una habitación pequeña y soleada, con una pecera, un estante de las revistas, y una vista de un comedor que era demasiado amarilla. Había un círculo de señoras mayores y algunos ancianos en sillas. . . Yo cantaba en voz baja en un rincón, sintiendo como si hubiera sido arrojado sin previo aviso en agua fría. Harsh como parecía en el momento, funcionó. He perdido poco a poco mi timidez cuando me di cuenta de que estas personas no estaban aquí para juzgarnos. Una vez se me olvidó que preocuparse de tener la razón, me hice mil veces más expresivo. Pensé que si podía aplicar esta nueva libertad para mi forma de tocar el clarinete no tan mal estado, cuánto mejor sería. Así que poco a poco comenzó a cambiar. Tomé más riesgos y trató de concentrarse en el significado de la canción, las emociones que tenía la intención de retratar, en lugar de sólo señala en la página. Yo había empezado a comprender el propósito de la música. Fue de repente mucho más fácil y mucho más divertido. . .I Han mejorado como músico y se han convertido en una persona más sensible.

Esta declaración plantea una cuestión importante que es que los alcances pueden en principio ser una experiencia intimidante para muchos estudiantes. Por un lado, los que aprenden instrumentos son a menudo no es feliz de cantar. Hay varias razones para esto, pero, básicamente, si un estudiante es consciente de su forma de tocar, es probable que sea de su canto también. Razón de más para ir en la difusión! La experiencia de muchos estudiantes es como la de estudiante en el testimonio: timidez, incluso el miedo, al principio, pero poco a poco ganando confianza a medida que el clima de la proyección se vuelve más familiar. Otra razón para que los estudiantes ser intimidados en la divulgación es que el estado deteriorado de algunos de los residentes de una casa puede ser aterrador al principio, aunque, como los estudiantes comienzan a relacionarse íntimamente con los residentes, esta situación mejore. Hacemos encontrar estudiantes que se niegan a ir en alcance por estas razones, pero la mayoría son en última instancia susceptible. Esto es particularmente cierto para los niños más pequeños que se encuentran en todos los sentidos
menos consciente de sí mismo que los de sus hijos adolescentes.

Notas

1. Febrero 1918, p. 93.

2. Joyce Cameron, y" El papel de la autoestima en el aprendizaje, y" en las Actas de la Conferencia Nacional de Piano Pedagogía 1.990-91 (Los Angeles: Conferencia Nacional de Pedagogía de Piano, 1991), 88.

3. Algunos trabajos recientes, por ejemplo, ha hecho hincapié en la naturaleza generalmente terapéutica de altruismo; Ver Richard L. Curwin, y" El poder curativo de Altruismo, y" Liderazgo en la Educación, noviembre de 1993, 36-39; También John Diamond, MD, la veneración de la Vida: A través de la Enfermedad para el Alma (Bloomingdale, IL: Mejora Books, 2000), 4; Este último autor también ha debatido ampliamente el uso del altruismo en la música ; Ver Vida Mejora a través de la música. (Bloomingdale, IL: Mejora de Libros, en prensa), passim

4. Testimonio sin fecha de Margeret McGovern en posesión del autor Restaurant  .;